Posizione 8

Io e Annie

di Woody Allen, 1977

“Beh, che volete, era la prima commedia... sapete come si cerchi di arrivare alla perfezione almeno nell'arte, perché è talmente difficile nella vita.”

New York, 1969. Sandy Meisner, uno stimato professore di recitazione che aveva già scoperto talenti incredibili nella “sua” prestigiosa Neighborhood Playhouse, parla con un produttore teatrale, David Merrick.

C’è una ragazza, gli dice, che è sensazionale. Un talento attoriale fuori dal comune.

Appena entra in scena, è come se tutti gli altri migliorassero di colpo.

Il signor Merrick ascolta interessato: in quel periodo ha un progetto per le mani, una commedia affidata un affidabile regista di teatro, Joe Hardy.

La commedia però non l’ha scritta lui, ma uno stand-up comedian che sta provando a farsi strada nel mondo del Cinema: pochi mesi prima è uscito il suo primo film da regista, ed ha avuto un discreto successo.

Si chiama Allan Stewart Königsberg, ma forse lo conoscete meglio col nome di Woody Allen. La commedia in questione sarà Provaci ancora, Sam.

Lei invece si chiama Diane Hall, ma c’è un problema.

A quanto pare c’è già un’attrice si chiama così, e al sindacato le omonimie non piacciono. Cambierà allora il nome, e resterà alla storia come Diane Keaton. Inutile dire che ottiene immediatamente la parte. È troppo brava, non c’è paragone con le altre che si presentano ai provini.

Sandy Meisner ci aveva visto giusto: è semplicemente una delle più grandi attrici di ogni tempo.

I due si piacciono da subito.

Allen ha da poco divorziato dalla seconda moglie (la grande Louise Lasser, protagonista di quello splendido gioiellino che è Il Dittatore dello stato libero di Bananas) e rimane irrimediabilmente affascinato da Annie, come la chiamava affettuosamente lui. Inizieranno a frequentarsi, e nascerà uno dei sodalizi più iconici della storia del Cinema.

Contrariamente a quanto si creda, il loro rapporto sentimentale durerà relativamente poco, perché lei si trasferisce in California, sua terra d’origine… e di Hollywood: avrà anche una parte nel mastodontico capolavoro di Francis Ford Coppola, Il padrino.

Ma i due rimarranno amici, ed il legame professionale – per nostra fortuna – durerà ancora a lungo. Allen girerà con lei molti altri film: la vediamo giganteggiare in Amore e Guerra, la vediamo fornire tra le altre cose una straordinaria imitazione di Marlon Brando ne Il Dormiglione, e poi… e poi c’è Io e Annie.

Pensate che il film non doveva neppure chiamarsi così: il primo titolo proposto fu Anedonia, vale a dire incapacità di provare piacere. Ma non era un titolo commerciale, e quelli della United Artists lo fecero presente con convincente forza persuasiva.

Doveva essere un flusso di coscienza, fu una storia d’amore. Woody Allen, che è sempre stato molto auto-critico, nella sua recente ed interessante biografia ne parla come “l’ennesima idea geniale che non resse alla prova dei fatti”. 

Sarà, ma come direbbe lui… è una delle migliori.

La trama è insolitamente familiare. Un uomo, doppiamente divorziato e comico di professione, intraprende una relazione sentimentale con una donna che viene dalla provincia, che parla per ore senza mai annoiare, e che veste in maniera così stravagante che viene da pensare che “il suo personal shopper sia Buñuel”. Dimenticavo: lei si chiama Annie, e di cognome fa Hall. 

Ma se è vero che nulla più di un’opera d’arte ci rende consapevoli di appartenere ad una stessa umanità, e di condividerne speranze e patimenti, allora forse quella storia può diventare anche la storia di qualcun altro. Forse abbiamo giocato con le stesse aragoste.

Il fatto è che il film è scritto talmente bene che il sapore di quelle aragoste sembra riaffiorare nel palato come se le avessimo mangiate da pochi minuti.

E non è finita qui: c’è New York, la satira politica, la corruzione derivante dal successo, la messa in ridicolo dell’intellettualismo tronfio, l’esasperazione, la rottura della quarta parete, la decadenza della morale borghese, il montaggio temporale non lineare, la zia che aveva personalità, l’esasperazione dei rapporti umani, il grottesco, la commozione.

Per ognuno di questi termini sarebbe possibile scrivere un articolo a sé. Si tratta semplicemente di uno dei film più belli e stimolanti della storia.

C’è Woody Allen.

C’è Diane Keaton.

Ci sarebbero anche quattro Premi Oscar, per la migliore attrice protagonista, miglior sceneggiatura originale, miglior regia e miglior film. 

Ma, la sera della premiazione, c’era anche un concerto jazz…

[A cura di Simone Braca]

Posizione 7

Indagine su un cittadino al di sopra di ogni sospetto 

di Elio Petri,1970  

Annata d'oro il 1970 per il Cinema italiano: lo stesso anno escono nei cinema Il conformista, tra i migliori lavori di Bernardo Bertolucci, L'uccello dalle piume di cristallo, esordio cinematografico di Dario Argento, e Indagine su un cittadino al di sopra di ogni sospetto, pietra miliare del cinema politico italiano, con cui il regista Elio Petri si porta a casa un Oscar per il Miglior Film in Lingua Straniera e il ben più prestigioso Grand Prix della giuria al Festival del Cinema di Cannes.

Indagine ha tutto ciò che serve a un film per lasciare un segno nel tempo: una scrittura stratificata e con diverse chiavi di lettura, una regia sapiente e misurata, un tema importante e incredibilmente radicato nel tempo e nella società di allora come nella società di oggi, e in ultimo un'interpretazione tra le migliori della storia del cinema italiano, quella del Dottore interpretato da Gian Maria Volonté.  

La storia, quella di un commissario di polizia che uccide la propria amante (una splendida Florinda Bolkan), non è altro che un pretesto per analizzare gli effetti dell’uso permanente del potere sulle persone.

Lo stesso Petri la definiva nevrosi del potere, ovvero quella condizione schizofrenica dell’autorità che si divide tra la corsa al raggiungimento della giustizia e la tendenza ad auto-assolversi, ad essere compiacente con sé stessa, a sentirsi sacra e intoccabile.

In un contesto storico di forte tensione sociale a seguito della strage di Piazza Fontana e della morte dell'anarchico Giuseppe Pinelli, il film si fa portatore di temi scomodi che fanno paura anche oggi, osservando l'attualità del tema (il caso di Stefano Cucchi raccontato in Sulla mia Pelle è il più recente esempio della rappresentazione violenta e criminale della polizia).   

Infatti, alla sua uscita, Indagine fece un gran scalpore perché mise in scena uno spietato atto d’accusa nei confronti dei metodi e della formazione ideologica degli organi di polizia, trovando il coraggio in un periodo teso come quello degli anni di piombo e dei movimenti studenteschi di accostare l'ordine costituito a parole, pensieri e idee di matrice fascista - anche se nessuno, nel film, lo dice ad alta voce.

La situazione presentata dal film è ovviamente grottesca, caricaturale, portata agli estremi, contraddittoria.

Eppure il messaggio è chiaro, e cioè che secondo Petri chi esercita il potere finisce per trovare rifugio solo nel potere stesso, incapace di sentirsi soggetto alla legge e anzi vuole sentirsi al di sopra dei giudizi morali della società che controlla.   

Indagine su un cittadino al di sopra di ogni sospetto è un capolavoro del Cinema italiano e mondiale, che in un periodo di grandi tensioni ha messo in dubbio l'autorevolezza, l'imparzialità e la buona fede degli organi di giustizia, attirandosi dietro le ire di mezza classe dirigente italiana ma mettendo l'accento su un dilemma etico che interessa la vita del paese anche 50 anni dopo la sua uscita.    

[A cura di Fabrizio Fois]

Posizione 6

Il Cacciatore

di Michael Cimino, 1978

“Ma di cosa vuoi ancora aver paura dopo questa guerra?”

Il Cacciatore di Michael Cimino è tra le opere che ha dato il via al filone dei film riguardo quella che fu una tra le più vergognose pagine della storia americana: la guerra del Vietnam.

La storia vede come protagonisti un gruppo di amici, alcuni dei quali in procinto di partire in guerra, altri che invece resteranno nella cittadina di Clairton, Pennsylvania, continuando a lavorare nell’acciaieria locale.

Chi partirà tornerà completamente cambiato, con cicatrici più o meno visibili che porterà con sé per il resto della sua vita.

Chi resterà non riuscirà a comprendere a pieno, a riconoscere gli amici che hanno fatto ritorno.

L’orrore della guerra, la perdita della propria identità, giusto e sbagliato che si confondono, ormai svuotati del loro significato: Il Cacciatore ci fa rendere conto di quanto il Vietnam sia stato, oltre che fisicamente, psicologicamente devastante per tutti coloro che vi si trovarono coinvolti.

E il tutto senza mostrare vere e proprie scene di guerra. 

Perché in realtà non serve guardare direttamente i corpi carbonizzati dal Napalm, le fucilazioni, i bombardamenti non è indispensabile tutto questo per percepire l’orrore provato dai soldati: alla guerra fatta di fuoco e sangue si sostituisce quella interiore di tutti i nemici di Charlie.

Momenti di vita quotidiana, relazioni, riflessioni pre Vietnam, vengono mostrati ed esposti allo spettatore lasciando che si immedesimi nei personaggi, che si senta parte del gruppo, al sicuro in una confortante situazione famigliare, per poi distruggere questa sensazione di riparo lasciandolo senza più punti di riferimento e certezze.

Gioiamo con il gruppo di amici e con tutti gli invitati nella lunghissima scena del matrimonio tra Steven (John Savage) e Angela (Rutanya Alda), l’ultimo momento di spensieratezza prima di essere catapultati nell’acqua putrida di un fiume, rinchiusi in una gabbia con Michael (Robert De Niro), Nikanor (Christopher Walken) e lo stesso Steven, tutti tenuti prigionieri dai Viet Cong. 

Passiamo dalle spensierate risate tra amici sulle note di Can’t Take My Eyes Off You di Frankie Valli, tra un colpo di biliardo e una birra, a un funebre inno americano, un God Bless America poco più che sussurrato da quelli che in qualche maniera sono tornati in patria, ma la cui inadeguatezza stride mostrando tutta la triste ironia del momento.

Siamo sconvolti dall’iniziale terrore provato da Mike e Nick mentre vengono costretti al gioco della roulette russa, terrore di cui scopriremo poi la trasformazione in indifferenza o forse, meglio, quasi dipendenza dal momento che l’unico modo per sentire ancora qualcosa in questa esistenza vuota e, ormai, senza più emozioni, è giocare con la propria vita.

La roulette russa come dose di adrenalina.

“One shot.”

Un colpo solo.

La caccia non è solo un hobby o uno sport, ma maestra di vita e la ritroviamo sotto svariate forme per tutto il film.

La filosofia del colpo solo influenza la sfera d’azione dei protagonisti: uno stesso concetto che, in base al momento, assume diversi significati.

È lealtà, il voler agire ad armi pari con l’avversario, quando vediamo Mike dare per la prima volta la caccia ad un cervo con un solo colpo nella canna del fucile; è la brutalità della guerra nella prima scena della roulette russa, quell’attimo che, senza una precisa logica, abbandonando ogni sentimento umano di empatia, può decidere che farai ancora parte di questo mondo o non esisterai più.

È la disillusione cha preso il comando di ogni istinto alla sopravvivenza nell’indimenticabile scena finale in cui, a puntarsi nuovamente una pistola sulla tempia, è un Nick senza più nulla di umano a tenerlo in vita, dimentico di tutto ciò che un tempo arricchiva la sua vita e lo rendeva umano.

Tre minuti che celebrano l’amicizia e fin dove un amico può spingersi in nome di essa, per salvare un suo fratello.

Tre minuti di Recitazione in cui il coinvolgimento è totale ed il mondo reale lo dimentichiamo completamente.

Tre minuti in cui Robert De Niro e Christopher Walken ci rapiscono portandoci in quell’assurdo e dimenticato pezzo di Vietnam fatto di urla, fumo e banconote. 

Tra gli indimenticabili che hanno sicuramente contribuito a rendere Il Cacciatore un pezzo fondamentale di Cinema, John Cazale, interprete di Stosh, uomo un po’ schivo, un po’ vigliacco, che vuole colmare un costante senso di inferiorità brandendo irresponsabilmente una pistola.

Un personaggio secondario che però non si dimentica facilmente (anche per tutto quello che ci fu dietro al suo ingaggio).

Meryl Streep interpreta Linda, una donna toccata dalla guerra in maniera indiretta, confusa dai sentimenti nei confronti di chi parte, di chi torna o non torna, che non riesce a darsi pace per la mancanza di certezze e stabilità emotiva, cose che ha sempre cercato nella sua vita ma forse non ha mai avuto.

La parte le valse la sua prima nomination agli Oscar come Migliore Attrice non Protagonista.

Tra le colonne sonore Cavatina, il tema che viene ripetuto più volte durante tutto il film e che è frutto della collaborazione tra i compositori Stanley Myers e John Williams: dolcezza e malinconia tradotte in note che abbracciano la fotografia del maestro Vilmos Zsigmond. 

Un trionfo all’edizione degli Oscar del 1979: quattro nomination e cinque vittorie tra cui Miglior Film, Miglior Regia, Miglior Sonoro, Miglior Montaggio e Migliore Attore non Protagonista a Christopher Walken per quella che probabilmente è la miglior interpretazione di tutta la sua carriera.

[A cura di Morena Falcone]

Posizione 5

Barry Lyndon

di Stanley Kubrick, 1975

“Fare un film non è fotografare la realtà, ma fotografare la fotografia della realtà”

In questa frase Stanley Kubrick riassume tutta la sua idea di Cinema, ossia quella forza motrice che ha permesso che i suoi lungometraggi vengano tutt’ora studiati fotogramma per fotogramma come se fossero opere d’arte. 

Tra questi, Barry Lyndon è quello che forse più si avvicina a una composizione di arte pittorica che a una ripresa di immagini in movimento.

Ogni inquadratura assomiglia in tutto e per tutto a un quadro di John Constable o William Turner: l’attenzione al dettaglio è da certosino, l’obiettivo è posto centralmente al fine di dare proporzioni simmetriche alle immagini, la luce è quasi sempre naturale. 

Tutto questo è dovuto alla famosa maniacalità che caratterizza il lavoro del regista newyorkese, la quale non solo lo portava a impiegare anni in ricerche per le scenografie e i costumi (in questo caso Ken Adams e Milena Canonero vinsero l’Oscar nelle rispettive categorie), ma lo spingeva a lanciarsi nella sperimentazione pur di raggiungere il risultato desiderato.

Infatti, al fine di rendere davvero autentiche le ambientazioni del XVIII secolo del film, Kubrick e il direttore della fotografia John Alcott (anche lui premiato con l’Oscar) decisero di utilizzare il più possibile la luce naturale per gli esterni e quella dei lumi per gli interni.

Per fare ciò venne adattato e montato sulla cinepresa un obiettivo prodotto dalla Zeiss e utilizzato dalla NASA per scattare foto satellitari.

Grazie a questo strumento visivo totalmente innovativo oggi si ha la possibilità di ammirare delle inquadrature che provocano nello spettatore come minimo la sindrome di Stendhal. 

Ma tale meticolosità non limita il piacere solo agli occhi, anche le orecchie si godono la loro parte: le musiche di Mozart, Handel, Bach, Paisiello, Vivaldi e Schubert sono state minuziosamente selezionate per accompagnare armonicamente ogni singola immagine. 

Il regista si serve dell’omonimo romanzo di William Thackeray per riproporre i tópoi tipici della sua tematica cinematografica. Redmond Barry (Ryan O’Neal) non è altro che un uomo che viene spinto dalla recente società capitalista a considerare il materialismo come unico valore morale e quindi a farsi furbo per migliorare la propria condizione sociale. 

Una volta raggiunto questo obiettivo con l’acquisizione di un titolo nobiliare attraverso le nozze con la nobile vedova Lady Lyndon (Maria Berenson), subentra il tema del doppio tanto caro a Kubrick: da una parte l’identità originale, dall’altra quella legata al rango, al potere e al denaro. Le due sfere sono inconciliabili e Redmond Barry Lyndon lo capisce sulla propria pelle. A mio avviso, non vedere una critica alla società moderna e alle sue classi dominanti è praticamente impossibile. 

Inoltre, questo punto invita anche a una considerazione nichilista tipica del regista americano.

Per quanto il protagonista provi a diventare ciò che non è, le sue azioni non sono mai sufficienti a fargli prendere il pieno controllo del corso del proprio destino. Più cerca di trasformarsi e più rimane sé stesso, più si allontana dalle proprie origini e più ci ritorna inesorabilmente. 

Redmond rappresenta quindi la natura umana in tutti i suoi limiti, compresi quelli del mondo che la circonda.

Questa dunque è la fotografia della realtà che Kubrick, attraverso un capolavoro chiamato Barry Lyndon, ha fotografato in maniera impeccabile.

[A cura di Jacopo Troise]

Posizione 4

Arancia Meccanica

di Stanley Kubrick, 1971

Right, right, right. 

Cosa abbiamo qui se non uno dei grandi capolavori cinematografico-letterari del secolo scorso?

Era il 1945 quando un vecchio cockney seduto in un pub londinese apostrofò un tizio che conosceva affermando che fosse 'sballato come un'arancia a orologeria'. 

A qualche sgabello di distanza sorseggiava una pinta uno scrittore in erba - tal Anthony Burgess - il quale, sentita l'espressione popolar-surreale, decise che prima o poi l'avrebbe utilizzata come titolo per il suo futuro romanzo basato sul concetto di 'lavaggio del cervello'.

Circa vent'anni dopo, nel 1962, usciva nelle librerie Arancia meccanica.

La Storia dell'Arte è fatta di corsi e ricorsi dettati dal destino e, anche in questo caso, non v'è eccezione alcuna: lo spunto determinante per due delle opere più importanti del XX secolo fu originato da un ubriaco al bar.

Il binomio Burgess-Kubrick è quello che determinò il destino di Arancia meccanica, uno degli adattamenti più riusciti della Storia del Cinema, come sottolineato dall'autore dell'opera originale che rimase assolutamente soddisfatto dal lavoro del regista americano.

Quella raccontata in A Clockwork Orange è la storia di Alexander 'Alex' DeLarge (Malcom McDowell), un giovane modellato sullo stampo utilizzato dalla stampa britannica degli anni '50, la quale dipingeva i ragazzi dell'epoca come criminali portatori di una crescente - e immotivata - violenza che dilagava nelle strade della capitale del Regno Unito.

Alex e i suoi malcicchi, i drughi, si producono nelle peggiori nefandezze che l'essere umano possa immaginare: camminano in una Londra distopica e spaventosa abbeverandosi di latte allungato con simpatiche drogucce mescaline, somministrano il dolce su e giù ("birba, birba, birba vecchi sporcaccioni!") e si esibiscono nel numero 'visita a sorpresa' in compagnia dell'amata ultraviolenza.

Il vecchio capodrugo, tuttavia, non è una vittima del sistema, non è il prodotto finale di una società che lo ha reso malvagio: la sua cattiveria è atavica, completamente innata e dettata dalla sua natura di essere umano; le sue azioni, per quanto criminali e mostruose, sono esplicative delle potenzialità del suo gulliver di scimmia evoluta a Homo Sapiens Sapiens.

Solo, utilizzate nel modo sbagliato.

Alex rappresenta lo specchio dell'umanità in tre modi: è aggressivo, ama la bellezza e si serve del linguaggio.

Tutto in modo molto karascho.

La cura Lodovico, il tentativo di recupero attivato dalla società in cui vive, i fallimenti del suo non-nucleo familiare sono le maldestre (e inutili) ricerche di cura per una "malattia umana" dalla quale non può e non vuole guarire: la violenza.

Violenza che è denunciata dalle pagine di Burgess e dal film di Kubrick, condannata e mestamente accettata tanto quanto lo sono i concetti di indifferenza, sensibilità morbosa ed eccessiva fiducia nelle strutture governative.

Arancia meccanica è un'alchimia perfetta fra i costumi della devočka Milena Canonero, perle di lingua Nadsat, le scenografie di John Barry, le musiche al moog di Wendy Carlos (per fortuna non venne ingaggiato Morricone!), il vecchio amico succo di pomodoro, la fotografia sempre-perfetta del bog John Alcott, le corse in taxi nella notte innevata di Londra per la consegna di giganteschi falli di ceramica, il progetto mancato con i Rolling Stones nei panni dei drughi e le musiche dei Beatles...

E ovviamente la regia maniacale di quel pazzo scriteriato di Stanley Kubrick.

Arancia meccanica è un film immortale che sarà per sempre giovane e attuale.

Perché racconta la natura più profonda dell'essere umano e l'impossibilità per la nostra razza di raggiungere un giusto e sano equilibrio.

[A cura di Adriano Meis]

Posizione 3

Taxi Driver 

di Martin Scorsese, 1976

Il dolore porta alla ribellione. L'inquietudine genera arte.

Su questi concetti è fondata la New Hollywood, quella fantasmagorica rivoluzione culturale che ha travolto Hollywood tra il '67 e la metà degli anni '80.

Su questi concetti è fondato anche uno dei manifesti di quell'irripetibile momento storico della Storia del Cinema: Taxi Driver di Martin Scorsese.

Nella parabola di Travis Bickle, reduce del Vietnam alienato e solitario che cura la propria insonnia facendo il tassista nelle oscure notti newyorkesi, è contenuto l'intero respiro vitale sotteso al suo momento storico e artistico.

Un periodo in cui l'America aveva perso buona parte della propria innocenza ed era divenuta sufficientemente matura da poter riconoscersi in un antieroe. 

Un momento in cui gli autori erano in grado di maneggiare il genere, riscriverne le regole e deformarlo per dare voce alle proprie inquietudini.

Un'epoca in cui non c'era spazio per alcuna pacificazione.

Taxi Driver impatta il mondo della settima arte come un meteorite e ne cambia definitivamente le regole.

La sceneggiatura di Paul Schrader - universalmente riconosciuta come una delle più influenti della Storia del Cinema - fotografa il ritratto di una generazione di uomini a cui erano stati strappati i sogni e la tranquillità del presente, lasciando convergere tematiche care all'esistenzialismo europeo, da Jean-Paul Sartre a Fëdor Dostoevskij passando per Albert Camus, e fatti di cronaca.

Il ritratto di Travis Bickle, interpretato da un Robert De Niro all'apice della carriera e in una delle massime espressioni del suo talento, è stato in grado cambiare definitivamente la concezione che Hollywood aveva dei protagonisti delle proprie opere. 
I chiaroscuri dell'animo di Travis, i suoi squarci di follia e il suo completo scollamento da ogni contesto sociale fino a quel momento accettato erano qualcosa che, fino a quel momento, non si era mai visto.

Quella New York dilaniata e violenta, microcosmo degli interi Stati Uniti, in cui prostitute bambine, lenoni, politici e attivisti si susseguono senza soluzione di continuità  è divenuta un topos vero e proprio della letteratura cinematografica, citato più e più volte da opere successive.

L'estetica di Scorsese ha incorniciato così un'opera tra le più tetre, rivoluzionarie e rilevanti del decennio, vincendo la Palma d'oro al Festival del Cinema di Cannes e consegnando definitivamente il suo autore all'Olimpo dei più grandi cineasti mai nati.

[a cura di Jacopo Gramegna]

Posizione 2

Il padrino

di Francis Ford Coppola, 1972

"Io credo nell'America. L'America fece la mia fortuna".

Si apre con queste parole il celebre monologo di Amerigo Bonasera, nonché la saga de Il padrino.

È il cosiddetto American Dream, infatti, a risiedere alla base dell'epopea gangster più illustre della Storia del Cinema; e di quel desiderio che accompagnò tanti italiani quando salparono alla volta del Nuovo Continente.

Tuttavia, la necessità di sopravvivenza abbinata alle difficoltà di adattamento a un contesto sociale e culturale completamente estraneo, fece sì talvolta che il bisogno di una vita migliore si trasformasse in brama di potere e nella necessità di crearsi un proprio mondo, con delle proprie regole, slegate dai fili manovrati dai "pezzonovante".

Proprio una di queste storie è alla base dell'omonimo romanzo di Mario Puzo del 1969, così fortunato da spingere la Paramount Picture a investire su di esso e sul successivo riadattamento cinematografico di cui - per nostra fortuna - si occupò Francis Ford Coppola in seguito a una gestazione a dir poco travagliata.

Il resto è Storia.

Il padrino, infatti, è un'opera che ha trasceso il genere e lo stesso mezzo cinematografico per insinuarsi nel patrimonio culturale mondiale; diventando un cult senza tempo di cui tutti, amanti del cinema o meno, conoscono la storia o sono in grado di enunciare almeno una citazione.

Le motivazioni che risiedono dietro un tale successo sono molteplici e vanno al di là di tutte le questioni che hanno gravitato intorno alla sua produzione e al lungo elenco di premi vinti.

Quella che viene subito alla mente è, senza dubbio, la simultanea ricomparsa e ascesa, rispettivamente, di due mostri sacri del Cinema hollywoodiano quali Marlon Brando e Al Pacino.

La perfetta sinergia tra i due, nonostante il carattere difficile di Brando e il timore reverenziale provato da Pacino - qui soltanto alla sua terza esperienza in un lungometraggio.

La maniera magistrale con cui entrambi hanno dato vita a due dei personaggi più iconici di sempre.

Il primo conferendo al suo Don Corleone un carattere sommesso ma, al contempo, risoluto, ammantato da quella vena di malinconia propria di chi è consapevole di star avviandosi verso il crepuscolo.

Il secondo delineando un vero e proprio percorso ascendente per Michael, scandito dai tormenti di chi aveva immaginato per sé una vita diversa, ma non ha potuto fare altro che andare incontro a un destino già scritto.

Un ritratto profondamente psicologico di personaggi che rispecchiano ideali ottusi ed effimeri e il lento cambio di guardia da un sistema tradizionale, virtuoso pur nella sua illegalità; a uno più calcolatore e spudoratamente cinico.

Un affresco minuzioso di quello che sembra essere un universo a sé stante.

Una matassa le cui trame vengono pian piano dipanate mentre ci si addentra in infiniti corridoi fatti di vincoli di sangue e d'onore e che portano, alla fine, al suo fulcro: non la famiglia, utilizzata come pretesto ultimo finanche per il crimine più efferato, ma il potere.

Una fitta rete di favori e tradimenti, elegantemente introdotta tra i balli e i fasti di una tipica cerimonia italiana; marcando subito l'opposizione tra l'apparente felicità derivante dal denaro, e l'oscurità che si cela dietro le radici della stessa.

A tal proposito, indimenticabile il lavoro di Gordon Willis che gioca molto sul contrasto tra luci e ombre realizzando delle inquadrature caravaggesche in grado di esprimere l'inquietudine e i dissidi interiori dei personaggi.

Una giostra implacabile di emozioni e sconvolgimenti - accompagnata dalla celeberrima colonna sonora di Nino Rota - che pongono le basi non solo per il microcosmo della criminalità organizzata e della spietata lotta tra famiglie, ma anche per una più complessa analisi di una società corrotta nel midollo che verrà, in seguito, ampliata e approfondita nel secondo capitolo.

Lo capiamo dal finale - uno dei più spietati e magnifici di sempre - che chiude, letteralmente, la porta su ogni possibilità di redenzione; trascinando in un baratro ancora più nero un vortice di violenza da cui sembra ormai impossibile distaccarsi, se non dopo molti anni e una scia infinita di sangue e rimorsi.

Un viaggio emozionale e stratificato che rende Il padrino non solo uno dei film più importanti della New Hollywood, ma un'opera d'arte immortale e imprescindibile; e Coppola, uno dei massimi artisti.

[A cura di Nadia Pannone]

Posizione 1

Apocalypse Now

di Francis Ford Coppola, 1979

L'immagine delle foreste del Vietnam in fiamme, con in sottofondo The End dei Doors che si fonde con il rumore battente delle pale degli elicotteri, rappresenta uno degli inizi più iconici della Storia del Cinema. 

Ed è l'inzio di un'opera che ne ha segnato la Storia: Apocalypse Now.

Tratto liberamente dal romanzo Cuore di Tenebra di Joseph Conrad, il film diretto da Francis Ford Coppola è un viaggio terrificante lungo l'animo umano.

Ambientato durante la Guerra del Vietnam, uno dei conflitti più assurdi che la storia contemporanea ricordi, Apocalypse Now vede come protagonista il Capitano Willard incaricato di ritrovare il Colonello Kurtz, ex militare modello che sembra aver perso il lume della ragione dopo essersi rifugiato in Cambogia e autoproclamatosi re di un gruppo di indigeni.

Dal momento in cui Willard accetta la missione siamo catapultati in un mondo così assurdo da far accapponare la pelle: La cavalcata delle Valchirie, Charlie non fa surf, l'odore del napalm al mattino, sono tutte scene iconiche ma che al tempo stesso mascherano la solitudine e la follia a cui migliaia di soldati furono destinati durante il conflitto.

E man mano che Willard risale il fiume, noi come lui discendiamo negli inferi, nel cuore delle tenebre.

La morte accompagna il capitano per tutto il tragitto, gli sibila nelle orecchie tentando più volte di strappargli un bacio fino a quando avviene l'incontro che abbiamo atteso per tutta la durata del film: quello con il colonnello Kurtz.

Il personaggio interpretato magnificamente da Marlon Brando appare fin da subito come un semi-dio: nascosto nell'ombra, alienato da tutto ciò che è superfluo, dotato di una dialettica magnetica, ci rapisce scavandoci dentro l'anima, guardando nel nostro inconscio più profondo fino a renderci partecipi della sua follia, scaturita dopo esser entrato in contatto con "l'altro" e aver visto veramente l'orrore della guerra.

"Noi addestriamo dei giovani a scaricare napalm sulla gente, ma i loro comandanti non gli permettono di scrivere cazzo sui loro aerei perché è osceno"

Vincitore della 32ª edizione del Festival del Cinema di Cannes, con un cast stellare e l'irripetibile fotografia di Vittorio Storaro, Apocalypse Now è senza ombra di dubbio un capolavoro della Settima Arte, un'epopea che trascende il concetto di Cinema e che regala allo spettatore una moltitudine di sentimenti e sensazioni così diverse e contrastanti fra loro da lasciarlo estasiato a ogni visione.

[A cura di Emanuele Antolini]